Correspondencia con Julia Cooke (resumen)

Hola Michel, Tengo escrito un borrador del texto, creo que estamos bien para que te mande uno finalizado dentro de una semana o dos. Abajo van un par de preguntas: Donde esta tu estudio en la Habana? Donde vives? En que año te graduaste del ISA?

Mi estudio está en el Vedado, me gradué del ISA en 2007 y desde entonces vivo en la habana.

Dices que te interesa la relacion entre la apariencia y la esencia de las cosas—quieres decir objetos? Puedes elaborar un poco?

Cuando hablo de apariencia y esencia de las cosas me refiero a objetos y sus implicaciones en las emociones, por ejemplo, una piedra no es mas que una piedra, pero si sabemos que la piedra fue parte de una pirámide azteca o algún lugar sagrado, toma automáticamente otra connotación. De ahí la relación apariencia-esencia.

“La union de dos objetos cualquiera genera un estado o asociación poética.” De acuerdo total—me das tres o cuatro ejemplos de ‘dos objetos cualquiera’ que has usado en pinturas, y el estado que sientes que se genera?

En una pintura que titulé “Primavera” relacioné corales muertos con plastilinas de colores, la relación entre estos dos elementos daba la sensación de algo que florece despues de muerto, es como sentir la sensación de vivo y muerto a la vez. También me interesa en gran medida las relaciones “sensoriales“ entre objetos como: Blando y duro, ( plastilina y roca por ejemplo) viejo y nuevo etc.

Dame una lista nueva: “Los artistas que mas te interesan son, en orden de importancia y en este momento,” viernes 22 junio 2012:

Paul Cezanne, Picasso, George Condo, Eduard Hopper, Veermer De Delf, pero principalmente la pintura metafísica italiana es mi principal influencia, especialmente Giorgio de Chirico y Morandi.

 Que sientes cuando haces los modelos? Cuánto tiempo tardas en hacer un modelo? Cuánto tardas en pintar el cuadro?

Siento que estoy pintando desde que comienzo a hacer los modelos, de hecho ahí comienza el trabajo con color, composición, equilibrio y casi todo lo que será posteriormente el cuadro. En el trabajo con modelos empleo la mayor cantidad de tiempo, a veces paso hasta una semana haciendo solo modelos y desechando un 90 por ciento de estos, cuando trabajo en esto espero que me sorprendan las formas y relaciones entre los objetos, que cobren personalidad. En pintar el cuadro demoro de 2 a 4 sesiones, de uno a tres dias, a veces la imágen requiere que se haga en una o dos sesiones, pues trato de no adornar el cuadro con efectos sin sentido, cuando logro la imágen que me propongo paro en ese momento y por eso a veces da la sensación de inacabado, incluso quedan partes del cuadro sin pintar y la tela cruda. En esta parte del cuadro (en blanco) se muestra algo así como un archivo del proceso picotrico ( gotas, lineas rectificadas, manchas de pincel, etc.)

Sientes una diferencia en tu estado de animo, o en tu forma de concebir el acto que haces, cuando haces los modelos versus cuado pintas los cuadros?

Sí, creo que son dos procesos distintos que se complementan, primero escultura, luego fotografía y luego pintúra, los dos procesos anteriores (Escultura y fotografía) los utilizo sólo como un complemento de la pintura, siempre estoy pensando en color. En la pintura se condensa todo el proceso, es el momento mas importante para mí.

Las maquetas las haces con, dijiste, “piedras, plastilina, madera u otros encontrados.” Como coleccionas estas cosas? Vas por la calle y si ves un objeto que te inspira un pensamiento extraño, lo coges?

Algo así, es un proceso que realizo constantemente, voy recolectando objetos y en mi estudio tengo una especie de archivo de donde tomo luego para combinar con otros.

Tambien, a partir de algún viaje se han generado etapas de trabajo, por ejemplo hace dos años pasé una temporada en la Sierra maestra, a partir de ahí comenzé una etapa de trabajo donde utilizaba muchas rocas de la montaña, madera y frutas. 

Que haces con las maquetas una vez terminada la pintura?

Desde hace un tiempo estoy conservando las maquetas, algunas, las mas frágiles las conservo en resina de polyester, aún no se que haré con ellos, pero he pensado en algún momento hacer una exposición solo de maquetas.

Entre maqueta y pintura existe una fase de boceto 2-d de la maqueta? O, pintas directamente una vez terminada la maqueta?

Despues de hecha la maqueta hago fotografías, desde distintos angulos y luces, hasta que doy con la imágen que busco, luego, el cuadro.

Cuando dices que el horizonte tiene una connotación especial en tus obras, te refieres, como en las obras de 2011 en tu sitio web, a lo que parece una pared o el borde de una mesa? A mi me da la sensación un poco de estar atrapada. Comentarios? O sea, cuando veo por ejemplo The Kindness of the Stranger or The Happy Pre-Columbian, siento un poco una sensación triste. O S/T 2010, o Elephant. De qué hiciste las maquetas para esas pinturas? Me hace pensar en la melancolia pero también la sensación de libertad de la imperfección, un poco al estilo de lo que siento cuando veo las fotos de Diane Arbus. 

Esas maquetas las hice a partir de un viaje a México, con algunos fragmentos de artesania azteca y de Oxaca combinados con plastilina y tienen que ver un poco con la sensación que me quedó de ese viaje, tiene un poco de todo eso que dices, encierro, libertad, melancholia de algo abstracto, sin una sensación clara o concreta, algo para lo que no tengo una respuesta clara, solo emociones.

Los títulos también tienen que ver con el viaje.

Me gusta la asociación que haces con Diane Arbus.

Son muy humanas tus pinturas. Casi como lo que veo cuando me miro en el espejo. Estás de acuerdo?

Me alegra que tengas esta sensación, yo relaciono también mis pinturas con “actores” que representan un roll, que hablan de lo imperfecto o perfecto de lo humano.

Las pinturas de 2008 eran mucho mas representacionales, mucho mas ‘humanas.’ me comentas acerca de este movimiento hacia una representación menos obvia de lo humano? 

hola Julia, Sobre esta pregunta -Creo que este es un punto importante, creo que mi trabajo ha ido evolucionando hacia un tipo de representación mas ambigua, menos obvia. Este cambio, a mi modo de ver, tiene como motivo generar un mayor espectro de significados y lecturas posibles, creo que cuando la imágen deja de ser (algo específico) comienza a ser (Todo). De todas formas yo pienso en mi trabajo como un constante reciclaje de ideas. En ocaciones se vuelve más a lo humano, a veces más arquitectónico o espacial, psicológico, etc. Ultimamente he estado pensando mucho en elementos como el horizonte, el equilibrio, tanto visual como el efecto psicológico que genera en el espectador al ubicarlo en una posición específica con respecto a la imágen del cuadro, el color, en función de generar sensaciones específicas como: calma o estabilidad emocional, sensaciones muy útiles cuando vives en una sociedad como la mia. Estos son algunos de los motivos de este cambio o evolución, pero también son objetivos generales en mi trabajo.

Me puedes hablar sobre los materiales que usaste en cada parte (pierna, ‘cabeza,’ etc) de las pinturas que adjunto aqui? También si es posible, algún comentario sobre tu modo de aplicar el color?

En estos cuadros que me preguntas todo está hecho con acrílico, ya que la etapa donde utilizaba diferentes materiales es anterior, aquí utilizo una técnica conocida como (por capas o tres capas) que consiste en ir aplicando colores por transparencias, es una técnica propia del barroco aunque yo utilizo una verción más rápida adaptada al acrílico. De estas imágenes al menos tres estarán en el libro, como “elefante” , ” Precolombino” y “Pata roja”. Creo que eso es todo, por favor, cualquier otra pregunta me la envías y la responderé con gusto. Te adjunto aquí algunas obras recientes. Saludos Michel